<p>El cine español celebrará hoy su gran fiesta en<strong> Barcelona</strong>, que acoge 26 años después la gala de los <strong>Premios Goya</strong>, y que tienen como favoritas –por número de nominaciones– a <i>Los Domingos</i>, con trece nominaciones, y a<i> Sirat</i>, con once nominaciones.</p>
La Academia también rendirá un homenaje a diferentes profesionales de la industria española del cine que fallecieron durante el pasado año 2025
El cine español celebrará hoy su gran fiesta en Barcelona, que acoge 26 años después la gala de los Premios Goya, y que tienen como favoritas –por número de nominaciones– a Los Domingos, con trece nominaciones, y a Sirat, con once nominaciones.
La 40.ª edición, que tendrá lugar en el Centre de Convencions Internacional de Barcelona (CCIB), estará presentada por el actor Luis Tosar y la cantante Rigoberta Bandini en una cita que movilizará a un millar de profesionales. Más de 60 profesionales entregarán cabezones.
Como en cada edición, los Goya también realizarán un especial homenaje y recuerdo a varios de los profesionales del cine que fallecieron en 2025. Aunque la Academia no ha facilitado un listado oficial de homenajeados, se espera un recuerdo especial para:
La actriz labró una carrera tan coherente como arriesgada y siempre entregada hasta más allá de lo razonable. Su último trabajo se tituló A muerte y, contra lo que pudiera parecer por el título absurdamente premonitorio, era una comedia romántica. Pero no una cualquiera.
Repasar su filmografía se antoja un ejercicio de riesgo. Desde el primer fotograma en Yo soy la Juani (2006), donde Bigas Luna (otra vez él) la descubría al mundo pura y poligonera, hasta el último, enamorada del infortunio propio y ajeno en A muerte, ella siempre estuvo ahí entregada a romper el equilibrio. Cuando debutó como guionista y directora en el cortometraje Tótem Loba quedó confirmado que su actitud ante la cámara era exactamente la misma que detrás de ella.
Se diría que pocos de sus trabajos definen tan bien y de manera tan justa a Verónica, a la Verónica actriz, a la Verónica excesiva de Explota, explota (Nacho Álvarez, 2020) y a la Verónica introspectiva, rebelde y misteriosa de Katmandú, un espejo en el cielo (Icíar Bollaín, 2011). De un extremo a otro, hasta el último aliento, en el momento exacto en el que una sonrisa anuncia la mayor de las tragedias.
En el mismo año era capaz de entregarse al riesgo sin red del cine crudo deL’Ofrena (Ventura Durall, 2020) y a la ironía desbocada y también libre de prejuicios de Orígenes secretos (David Galán Galindo, 2020).
Y sin embargo, el trabajo de Verónica Echegui, como ella misma, se resiste a ser laminado por las frases hechas. La visceralidad demostrada en películas como El patio de mi cárcel (Belén Macías, 2008) o el hieratismo resplandeciente e intenso de La mitad de Óscar (Manuel Martín Cuenca, 2010) o la dulce acritud de Seis puntos sobre Emma (Roberto Pérez Toledo, 2011) o el don de lenguas y acentos exhibido en El libro del amor (Analeine Cal y Mayor, 2022), hacen de ella la actriz que siempre se mantuvo a salvo.
El actor Celso Bugallo recibió en 2005 el Premio Goya por la película ‘Mar adentro’, de Alejandro Amenábar, aunque él de pequeño quería ser futbolista. Sin embargo, la interpretación acabó llevándole por otro camino. Comenzó en los años 70 en el teatro, en donde pronto se hizo un nombre gracias a su enorme talento dentro de los grupos independientes Adefesio Teatro Estudio y Lope de Rueda
Después fue fundador y director del ‘JUBY’ (Juventud Unida del Barrio de Yagüe), que ganó en 1976 el Premio Nacional de Comedias de Teatro con ‘El retablo del flautista’, y a finales de esa década fue cofundador en Galicia del grupo de teatro Olimpo.
No fue hasta los 52 años cuando debutó en la gran pantalla. Lo hizo en 1999, de la mano del director José Luis Cuerda, en la película La lengua de las mariposas.
Poco después llegaron Los lunes al sol (2002), de Fernando León de Aranoa; El lápiz del carpintero (2003), de Antón Reixa; La vida que te espera (2004), de Manuel Gutiérrez Aragón, y Mar adentro (2004), con el que ganó el Goya al mejor actor de reparto.
Todo un robaescenas del cine español, con su papel del cabo de la Guardia Civil de una aldea de Castilla y León en la cinta La noche de los girasoles (2006, Jorge Sánchez-Cabezudo) ganó el premio al mejor actor secundario del Círculo de Escritores Cinematográficos de España.
La isla interior (2009), Palmeras en la nieve (2015), La playa de los ahogados (2015) y El buen patrón (2021), por la que volvió a ser nominado al Goya, son otros de sus trabajos en el cine más destacados.
También le vimos en numerosas series de televisión, entre ellas Mareas vivas, Rías Baixas, Periodistas, Los hombres de Paco, El incidente o Fariña.
Adolfo Fernández no solo era el secundario perfecto, era la voz perfecta. El actor formó parte de grandes series y películas en las que no solo destacaba por su interpretación, sino que era escuchar su voz y sabías quién era y a quién interpretaba.
Trabajó en películas como Entre las piernas, Yoyes, Todo es silencio o su última película en el año 2016, Ebro, de la cuna a la batalla. Pero si por algo era conocido, era por las series en las que participó. Series míticas de la televisión como Policías y Águila Roja. Pero además de intérprete, fue director teatral, ganador de un premio Max por En la orilla.
Nacido en Sevilla en 1958, aunque afincado desde niño en Bilbao. Se formó como actor entre Bilbao y Madrid, ciudades donde construiría una carrera tan sólida como intensa. Su legado trascendió la pantalla: el teatro fue su verdadero hogar. Fue fundador, director y corazón de K Producciones, la compañía que creó en 2002 junto a su esposa, Cristina Elso, para dar voz a autores contemporáneos y mantener vivo un teatro valiente, crítico y profundamente humano. En obras como En la orilla —por la que recibió un Premio Max—, demostró una vez más su amor por el oficio, su capacidad para iluminar textos densos y su compromiso con la verdad escénica.
Como actor, trabajó en obras como Testigo de Cargo, Vida y muerte de Pier Paolo Pasolini o A Electra le sienta bien el luto, Frankie & Johnny y Martes de Carnaval, con Mario Gas. Bajo su propia dirección, en Ejecución hipotecaria y La flaqueza del bolchevique.
En televisión participó en numerosos proyectos, protagonizando series como Los 80, tal como éramos, B&b y, más recientemente, La noche más larga o Machos Alfa de Netflix.
En cine trabajó con José Luis Cuerda, Mario Gas, Pedro Almodóvar, Felipe Vega, Gerardo Herrero, Mariano Barroso, Isabel de Ocampo, Iciar Bollain, Manuel Gómez Pereira o Daniel Monzón.
Pionera del flamenco pop, actuó en diversas salas de fiesta de Barcelona en los años 60, donde coincidió con Charles Aznavour, Josephine Baker o Gilbert Bécaud. En 1963 ganó en el festival Nápoles el premio a la mejor cantante extranjera con la canción La violetera. Por aquel escenario habían pasado Mina o Rita Pavone. En Italia debutó en el cine de la mano de Domenico Modugno.
En España tocaría el cielo tras casarse en 1969 con el compositor argentino Adolfo Waitzman -autor de la melodía del Un, dos, tres y de las bandas sonoras de La gran familia (1961) o Las cuatro bodas de Marisol (1967)- gracias a los temas Pepa Bandera y Paco, Paco, Paco. También estuvo a punto de representar a España en Eurovisión mientras concursó en Pasaporte a Dublín (1970), donde salió elegida Karina (78).
Creció en el teatro de finales de los 60 junto a los más grandes y conoció la popularidad del cine a mediados de los 80 cuando Pedro Almodóvar le hizo protagonista de La ley del deseo e insólito detective en Matador.
Ahí su carrera como actor ya había empezado en el teatro de finales de la dictadura. Él fue el Romeo que acompañó a María José Goyanes en la versión de Romeo y Julieta que Pablo Neruda adaptó para que lo dirigiera José María Morera en el Fígaro de Madrid. Pero, sobre todo, con la compañía de Adolfo Marsillach participó en el rompedor Marat-Sade de 1968, cuando aún era un alumno de Antonio Malonda para el Teatro Español..Y para Estudio 1 participó en Los bandidos, junto a Juan Diego y Marisa Paredes; en La profesión de la señora Warren, junto a Julia Gutiérrez Caba e Ismael Merlo: en Mirando hacia atrás con ira, junto a Fernando Guillén y Amparo Pamplona.
Fue sobre las tablas donde se hizo actor y fue Iván Zulueta en Arrebato (1979) quien vio, en los inicios de la Movida madrileña, que en Eusebio Poncela también había una estrella.
En aquellas décadas, entre los 80 y los 90, Eusebio Poncela también triunfaba en la televisión. Fue uno de los protagonistas de Los gozos y las sombras, que adaptaba la obra de Gonzalo Torrente Ballester para TVE y fue el protagonista de Las aventuras de Pepe Carvalho, adaptación de la saga de Manuel Vázquez Montalbán.
Ya en el inicio de los 2000, Poncela protagonizaría Intacto con Leonardo Sbaraglia, Mónica López, Max von Sydow y Willy Toledo como ese frustrado trabajador de un casino e hizo el regreso al teatro. En 2004 con un excelso Macbeth que se estrenó en el festival de Almagro y, en 2009, con una trilogía de Edipo que conquistó el de Mérida. Sus últimos trabajos fueron la obra de teatro El beso de la mujer araña, bajo la dirección de Carlota Ferrer, y un papel en Matices, la serie que Skyshowtime estrenó a principios de este año.
Mariano Ozores, rfue ey indiscutible de la comedia ligera española. Ahí está esa agilidad en los diálogos, la mirada sexualizada hacia esas azafatas y, por supuesto, el más absoluto de los absurdos.
Porque esas fueron las constantes de un director que en su filmografía cuenta con 96 títulos, el segundo más prolífico que nunca ha tenido el cine español, que atraparon a unos 90 millones de espectadores. Todas de alta rentabilidad porque sus proyectos eran baratos, sencillos de producir y rápidos en su ejecución con apenas cuatro semanas de rodaje y un par de meses para la postproducción. De hecho, siempre se dijo que Mariano Ozores volvía de los rodajes a su casa y, directamente, se ponía escribir el que sería su próximo proyecto. Así, una y otra y otra vez para poder estrenar hasta tres y cuatro películas en un mismo año.
Mariano Ozores fue el mejor retratista de una España que vivía los últimos coletazos de la dictadura franquista, el impulsor del landismo y uno de los referentes del destape que, alejados del país que hoy habitamos, es una fotografía exacta de lo que un día fue en los inicios de la etapa democrática. Aunque escasamente valorado por la crítica por la ligereza de su cine, el director madrileño fue quien puso en pantalla a algunos de los actores y actrices más grandes de este país: el propio Alfredo Landa, José Sacristán, José Luis López Vázquez, Lina Morgan, Florinda Chico, Concha Velasco… Y, por supuesto, fue el creador de ese dúo cómico que conformaron Pajares y Esteso.
Fue precisamente Los bingueros, en 1979, el primer éxito que Mariano Ozores firmó con ellos y en los años venideros sumó otros ochos. Todas sus películas superaron el millón de espectadores, y el estreno de Yo hice a Roque III provocó que se tuviera que retrasar dos semanas la llegada de El Imperio contraataca, la segunda entrega de la saga Star Wars, a España para no competir en cartelera.
Ya con nueve años había debutado el pequeño Mariano en el teatro madrileño de los años 30, en plena Guerra Civil, con la compañía teatral de sus padres, los actores Mariano Ozores y Luisa Puchol, integrante de un clan artístico en el que también entraron sus hermanos José Luis y Antonio. Y posteriormente, sus sobrinas Adriana y Emma Ozores. Pero fue el cine su medio de expresión. En 1957 ya fue guionista de El aprendiz de malo y dos años después dirigió Las dos y media y veneno.
La década de los 60 trajo consigo el hundimiento de su productora, La Hispánica, tras el fracaso de La hora incógnita (1963), un proyecto inusual en su carrera a medio camino entre el drama prenuclear y el terror ibérico; las pruebas en el cine documental político en el bando nacional con Morir en España (1965), la respuesta del franquismo a Morir en Madrid, del francés Frederic Rossif, y ya, por fin, el regreso a la comedia ligera y comercial a finales de la década.
Fue ese el momento de la irrupción del landismo, de la llegada de las suecas a las costas españolas y de la imagen del macho ibérico, con su pelo en el pecho y su tufillo machista, visto desde nuestro tiempo. Ahí está como máximo exponente Manolo la nuit, pero también fue Alfredo Landa su protagonista en Fin de semana al desnudo o Celedonio y yo somos así.
Esa es la época más prolífica de Mariano Ozores, donde en apenas una década acumula decenas de películas: Operación Mata-Hari, Operación cabaretera, Operación secretaria, Crónica de nueve meses, ¡Cómo está el servicio!, Objetivo bikini, Cuatro noches de boda, Dos chicas de revista, Una monja y un don Juan… Hasta llegar al destape y a la asociación con Pajares y Esteso, que marcaron los primeros pasos que España daba en la Transición.
Desde su mirada conservadora, Mariano Ozores armó una comedia vodevilesca entre la sátira política y la mirada social que trajo consigo la explosión de un dúo cómico que encajaba a la perfección. Ahí quedan Los chulos, Los liantes, Padre no hay más que dos, Todos al suelo, La Lola nos lleva al huerto... y su gran aceptación entre el público español, que empezaba a ver cómo sus salas se llenaban de un cine que coqueteaba con la sexualidad y con la picardía.
Ya con una España que había cambiado en su estructura social, abandonó en los años 90 el mundo del cine. Aunque en el 92 todavía grabó para TVE, donde había sido brevemente director de programación en los 50, la comedia Taller Mecánico SA con su hermano Antonio, María Silva y Florinda Chico como protagonistas. Y, un año después, la serie El sexólogo duró dos capítulos en antena. El Instituto de la Mujer solicitó su retirada por sexista y CCOO emitió un comunicado criticando los 390 millones que la cadena pública se había gastado en producirla.
Contaban Petra Martínez y Juan Margallo que, en 1963, ella fue a ver un Calígula que se estrenó en el Festival de Teatro Clásico de Mérida y, además del montaje, se quedó impresionada por las piernas de un jovencísimo Escipión. Era Juan Margallo, de quien después se enamoraría en la Escuela Estudio de Madrid, dirigida por los grandes maestros William Layton y Miguel Narros. Con Petra, Juan Margallo se convertiría en referente absolutísimo del teatro independiente español. Y junto a ella ha estado acompañado hasta su muerte, en su casa de Madrid, en la mañana de este domingo.
Porque la vida de Juan Margallo no se puede entender sin la de Petra Martínez. Y la de Petra Martínez tampoco sin la de Juan Margallo. Ambos fueron reconocidos en el año 2022 con el Premio Nacional de Teatro por su aportación a la escena independiente desde finales del franquismo hasta nuestros días. Fue, sin duda, uno de los grandes nombres del panorama nacional por su aportación desde hace más de cinco décadas..
Nacido en Cáceres en 1940 en una familia de militares, Margallo nació con la vocación artística que su familia no quiso entender. Acabó siendo ayudante de mago, caricato, prestidigitador… y, cuando se presentó a la prueba de ingreso para ingresar en la Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, se quedó fuera por su marcado acento extremeño. El jurado decía que no le entendía, pero volvió. Y empezó a trabajar bajo la dirección de José Luis Alonso, José Tamayo, Luis Escobar, Miguel Narros… Los más grandes nombres del teatro de la época.
Era 1963, cuando William Layton contó con Margallo para su versión de Historia del zoo en el Teatro Valle Inclán de Madrid, coincidió con esa joven aprendiz de actriz que en aquel momento era Petra Martínez. De ahí llegó el paso de ambos -casados en Gibraltar- al teatro independiente, con el que fueron sorteando la censura del franquismo en su última etapa. Juntos estuvieron en grupos imprescindibles de la escena independiente madrileña como TEI, Tábano o Gayo Vallecano. Fue en esa época cuando parte del grupo Tábano vivía en su pequeño piso, pese a que ellos ya habían montado su familia. Y también cuando la censura les prohibió gran parte de la obra Castañuela 70, estrenada en el Teatro Nacional de Cámara y Ensayo -hoy Teatro Marquina- y que luego dio el salto al Teatro de la Comedia.
Ese fue el inicio de una carrera que ya nunca dejaría de estar vinculada al teatro independiente. En 1985, como siempre juntos, Juan Margallo y Petra Martínez formaron la compañía Uroc Teatro -hoy gestionada por su hija, Olga Margallo, y su pareja, Antonio Muñoz de Mesa- con la que recorrieron buena parte de los escenarios españoles, pero también de Europa y América Latina, con funciones para los expatriados españoles. «Solíamos dormir en casa de inmigrantes. Si los organizadores no habían conseguido suficientes camas entre ellos, al final de la función se pedía si alguien podía alojarnos y se solucionaba», contaban ellos mismos en una entrevista en el Centro de Documentación de las Artes Escénicas y la Música (CDAEM).
Con Uroc Teatro montaron versiones de El retablo de las maravillas, de Miguel de Cervantes; Clásyclos, con versos de Calderón de la Barca y Lope de Vega; La rosa de papel, de Ramón María del Valle-Inclán, Cosas nuestras de nosotros mismos, una creación propia, y, por supuesto, Hasta que el alzhéimer me devore. Fue en el año 2021 cuando Juan Margallo llevó este texto a las tabla de la Sala Mirador, en la capital, basada en su autobiografía, Vivir del aire.
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